No solo por la vida, el color y la textura que traen a un lugar, sino por algo más difícil de nombrar: la forma en que sostienen el ánimo de un espacio. Como si absorbieran lo que flota en el aire y lo devolvieran, ligeramente transformado.

Esta semana mis astromelias se marchitaron en pocos días. Fue una semana pesada, de esas en las que el aire se siente denso y las listas no se terminan.

Hoy las tiré. Las flores registran el ritmo de la casa.

Hoy, con más calma, iré al puesto que me gusta, en la esquina de Pilares y Av. Coyoacán. Es un gozo visual sentarse en las escaleras del City Market y observar los ramos, los follajes, las combinaciones improbables. Que por un momento el único problema sea elegir cuáles llevarme.

Miriam Torres habla de las flores como una forma de cuidado. No como ornamento, sino como gesto. Como una manera de procurarnos algo; un descanso visual, un pequeño golpe de endorfinas en medio del día. Un punto de atención en la casa.

Un centro.

Pienso entonces en Cristina Umaña, en esa mesa de centro que deja de ser un mueble para convertirse en lugar: en altar, en memoria, en punto de gravedad emocional. En cómo una superficie cotidiana puede cargarse de significado a partir de lo que sostenemos sobre ella.

Las flores, ahí, no son accesorio. Son compañía. Son insistencia.

Recuerdo un ramo de rosas color coral ¿o salmón? que me regalaron hace unas semanas. Ningún pétalo cayó. No hubo decadencia visible. Simplemente dejaron de ser frescas y se secaron, intactas, en un rojo más intenso. Como si se hubieran saltado la idea del marchitarse.

Transmutaron.

Trajeron sol y fuego a la mesa de centro durante días. Y después, otra cosa: una presencia más quieta, más contenida, pero igual de firme.

Quizá de eso se trata.

De poner algo vivo en el centro de la casa.
De dejar que cambie.
De acompañar ese cambio.

Porque a veces, como las flores, lo que ocurre en el centro no desaparece: solo se transforma.

• Escucha nuestra conversación con Miriam Torres próximamente en Spotify y YouTube.

• Visita Mesa de Centro, exposición de Cristina Umaña, en Casa Wabi hasta el 19 de abril. Y escucha su entrevista aquí.

ZⓈONAMACO, en su edición número 22, refleja un momento de madurez institucional y un fortalecimiento sostenido de sus propuestas curatoriales. La feria reunirá a 200 galerías distribuidas en cuatro secciones, abriendo espacio a propuestas jóvenes y emergentes —también desde el diseño—, fundamentales para la vigencia y la efervescencia del ecosistema artístico.
Destaca la presencia de artistas y galerías que experimentan nuevas formas de mirar el mundo, abordando temas como la pérdida de la memoria y la recuperación de lo espiritual en lo cotidiano. En la sección de Arte Moderno, se celebra la visibilidad otorgada a figuras clave del siglo XX como Lilia Carrillo, Leonora Carrington y Joy Laville. El equipo de la feria señala, además, una tendencia al alza en un nuevo coleccionismo: más íntimo, más joven y menos predecible.

En su duodécima edición, Material Art Fair sorprende con un cambio de sede hacia Estudios Maravilla, en la colonia Atlampa. Este desplazamiento refuerza el circuito cultural de reciente consolidación entre Santa María la Ribera y Atlampa, donde espacios como Clavo Movimiento y Casa Wabi activan exposiciones y programas en paralelo a la feria.
Material reunirá a 76 expositores —mayoritariamente de América Latina— y desplegará un programa público que incluye performances de Ivan Chen, Sophie Jo y Adriana Lara, además de talleres dirigidos a infancias.

Finalmente, en su edición número 13, Salón ACME abre sus puertas en sus sedes de General Prim y Casa Margarita, integrando iniciativas de gastronomía, música y tecnología a su programa público y a los proyectos de arte contemporáneo seleccionados: 82 propuestas elegidas entre más de 1,800 postulaciones. Este año, el estado invitado es Puebla, y destacan el trabajo monumental de Enrique López Llamas y el proyecto Offside de Julieta Gil.

En la última década, la Ciudad de México se ha consolidado como un nodo clave del arte contemporáneo a nivel internacional. Tan solo en 2025, ZⓈONAMACO recibió más de 81,000 visitantes, mientras que Material Art Fair y Salón ACME registraron entre 18,000 y 20,000 asistentes cada una.
En The Specialist, seguiremos de cerca los detalles de estas ferias y de los eventos, inauguraciones y open studios que se activan en el marco de nuestra tan anhelada —y también temida— Semana del Arte.

Comer con consciencia es un acto revolucionario. Observar los colores, las texturas, los sabores. Buscar los mejores ingredientes, en calidad y en procedencia. Comprar a los productores de huertos agroecológicos, de pequeñas fincas cafeteras, apoyar a quienes valientemente emprendieron en un sector que las grandes corporaciones han monopolizado.

Comprar en el supermercado es práctico, pero la conversación sobre la temporada de hongos no viene incluida. Tampoco incluye el festín visual de los vegetales, las frutas y las hierbas iluminadas por la resolana a través de los techos rojos de lona del tianguis, o el taquito placero que te comes mientras esperas tus milanesas aplanadas en el puesto del carnicero en el mercado.

Cocinar es pluralidad. Pluralidad y comunidad que se construye desde a quién le compramos el kilo de huevo, hasta que nos sentamos a la mesa a compartir los alimentos. Pero también es sensibilidad: el modo en que una mano integra los ingredientes de una mezcla, la paciencia de esperar que algo hierva, el silencio que acompaña un hervor lento. Cada platillo es una forma de escuchar al cuerpo: sus antojos, sus ritmos, sus memorias. Comer también toca lo íntimo: aquello que reconforta sin explicarse, que nos regresa a un olor remoto, que nos hace sentir cuidados aun cuando estemos solos.

Luigi Tlachi, chef poblano y dueño del icónico sitio para empezar las mañanas Café & Tocino (entre otros espectaculares restaurantes), nos planteó todas estas cuestiones. La comunidad, lo local y la calidez atraviesan su cocina y se nota al sentarse alrededor de su mesa.

Te recomendamos:

• Escuchar la conversación con Luigi en el último episodio de The Specialist.

• Leer completo el texto de Annuska en el libro Comer en Primera Persona, Colima Sabe, 2025.

El arte no es para “cuando tengamos tiempo”, es parte de la vida cotidiana, y puede contribuir al bienestar físico y emocional, si practicamos vivir de forma estética.

En conversación con Evelyn Sosa — Coordinadora Comercial de Consigna y ArtHouse México– conocimos el texto Your Brain on Art, de Susan Magsamen e Ivy Rose. Un minucioso recorrido por los efectos anatómicos y emocionales que pueden tener escuchar las Cuatro Estaciones de Vivaldi, o permanecer unos minutos sentado en la habitación que exhibe Los Nenúfares de Monet en el MoMa.

El libro es una lectura recomendable para quienes buscan comprender cómo las disciplinas creativas pueden mejorar nuestra calidad de vida. Tararear, por ejemplo, estimula el nervio vago, que disminuye la ansiedad. Ver un colorido puesto de frutas y verduras nos libera una carga de hormonas felices, y oler un chocolate caliente con clavo despierta memorias afectivas que nos transportan a otros lugares.

Sabiendo ésto ¿Qué podemos hacer para ejercitar una vida estética con más constancia?

“Para aquellos que saben mirar, todo es arte.” Plantea Gilles Clément en su Breve tratado de arte involuntario. Parar, observar y estar presente ante las casualidades del día al día nos lleva a encontrar pequeños -o grandes- easter eggs de belleza. El arte involuntario es azaroso, es el alegre resultado de circunstancias combinadas de manera imprevista, y queremos estar ahí para presenciarlas.

Algunas ideas para incorporar el arte involuntario en tu vida:

• Color quests: caminatas en donde activamente buscas objetos de un color que decidas

• Hacer pausas para doodlear y encontrarle forma a los rayones

• Mirar con intención: notar texturas, reflejos, coincidencias.

Pequeños actos de atención que, con suerte, nos devuelven algo parecido a la calma —y a la curiosidad— de mirar el mundo como si fuera la primera vez.

Foto: Xochimilco al amanecer, 2025

Esta semana, inauguró en Culiacán su más reciente muestra “Ajá, pinturas”. Te compartimos el texto curatorial de la muestra, escrito por la historiadora del arte, Daniela Arroyo.

“La pintura ha definido la historia del arte. María Vez, autodidacta del medio artístico por excelencia, llega a él con la intención de desestabilizarlo, porque por más que intentemos sacudirlos, las grandes obras de los (así llamados) grandes maestros siguen moldeando nuestro entendimiento colectivo del arte. María se apropia de la pintura y se inserta, con todo y cuerpo, en esta historia para examinar el rol de ser mujer dentro de una industria dominada por hombres de grandes egos y firmas. Para hacerlo, ha creado un archivo iconográfico de referencias bíblicas, personajes históricos y criaturas mitológicas que se ha convertido en su propio lenguaje pictórico. El idioma de la pintura.

Al articularlo en composiciones complejas, Vez, construye una trama en cada pieza: una historia que nos sorprende al reescribir, mediante imágenes, los relatos clásicos. Entre las pinturas encontramos, por ejemplo, a Leda y el cisne, una historia repetida una y otra vez a lo largo de la historia del arte. Leda ha sido constantemente un personaje unidimensional, utilizado como recurso narrativo para engrandecer la épica del cisne. La historia nunca tuvo que ver con ella… hasta hoy. En estas obras, Leda enfrenta al cisne y no le concede un segundo más de vuelo. Así también nos encontramos recuentos alterados de Eva, Ana Bolena, Cleopatra y María Magdalena, ejemplos de mujeres que como tantas otras más han tenido que encajar en el arco narrativo de la historia de alguien más, convirtiéndose en villanas, vulgares, y provocadoras por los siglos de los siglos.

Estas pinturas - ajá, pinturas - son una propuesta de dos cisnes de un tiro. Son un medio visual con el que construimos nuevas posibilidades para entender e imaginar a las que conforman nuestro entendimiento arquetípico de ser mujer y al mismo tiempo son un ejercicio performático en el que Vez, literalmente pone el cuerpo para hablar del cuerpo, con la producción de Vórtice en el Vórtice. Aquí no nos da miedo la repetición poética. Con esta pieza regresamos a nuestros personajes clásicos para reflexionar sobre Culiacán, el espacio geográfico que nos compete. La historia se recuenta sobre sí misma, permeada de nuevas voces. Ajá, pinturas.”

Si quieres acompañarnos en más conversaciones sobre arte, cuerpo y mirada contemporánea, suscríbete y escucha el episodio completo → María Vez en The Specialist

Virginia Woolf escribió sobre la necesidad de “un cuarto propio” para que las mujeres pudieran escribir: un espacio íntimo, protegido, donde la imaginación pudiera desplegarse sin interrupciones. Esa metáfora, casi un siglo después, sigue resonando.

En una ciudad que se mueve con prisa, hay lugares que parecen detener el tiempo. Rincón no es solo un café: es una librería donde los libros esperan a ser descubiertos, un taller donde las ideas encuentran forma, una mesa compartida donde las conversaciones florecen entre plantas, impresiones de artistas y objetos de papelería que invitan a la contemplación.

En Narvarte Oriente, Rincón se ha convertido en ese espacio privilegiado que todos anhelamos: un refugio seguro donde disfrutar del presente, crear con libertad e inspirarse rodeados de cosas bellas y de buena compañía.

Conversar con su equipo es descubrir cómo una idea compartida puede irradiar grandeza en el cuidado con el que se construye comunidad, hospitalidad y belleza.
Un recordatorio de que, a veces, el lujo verdadero está en encontrar un rincón donde estar. Es librería, taller, espacio creativo; un punto de encuentro donde las ideas circulan como el vapor de la taza de matcha recién servida.

Habitar un espacio así es un privilegio: nos recuerda que la creatividad florece mejor cuando se cuida, cuando se rodea de gestos pequeños que nos devuelven calma y sentido. En Rincón, disfrutar, crear e imaginar no son lujos, sino derechos compartidos.

Escucha el episodio completo con Tania, Sofía y Estefanía, fundadoras de Rincón, y acompáñanos a conocer la historia detrás de este lugar singular.

¡Te dejamos la recomendaciones del equipo cuando visites su espacio!

📚Leer Niñapájaroglaciar de Mariana Matija
🍵 Beber Berry Mood (Hojicha Latte)
🖌️ Descubrir la ilustración de Adhara Miguel

📚 Indomable de Glennon Doyle
🍵 Matcha Latte
🖌️ Majo Ortiz

📚 Conjunto vacío de Verónica Gerber Bicecci
🍵 Matcha Latte y Honey Rush
🖌️ Anodino

El arte es reflejo del contexto del artista: su entorno político, su tejido social, su realidad económica. No se crea en el vacío, sino en una red constante de relaciones. En una sociedad que, como diagnosticó Gilles Lipovetsky en La era del vacío, tiende cada vez más a la individuación extrema y la desvinculación, las residencias artísticas aparecen como espacios que restauran la conexión.

Estas residencias sustituyen la centralidad del individuo por el intercambio, el diálogo y la creación compartida. En la última década, han proliferado en todo el mundo, desde México hasta Tokio o Uruguay, con propuestas diversas, pero un mismo espíritu: fortalecer las redes entre artistas, compartir saberes y construir comunidad.

¿Quieres ser parte de una? En este episodio, platicamos con Mariana Vinalay, Artist Liaison de Casa Wabi, sobre qué hacer (y qué evitar) al postularse. También conversamos sobre las riquezas de la interacción artística y comunitaria, y algunas anécdotas inolvidables de residencia.

Te recomendamos visitar:

• Los estudios abiertos de Cobertizo (consulta sus redes para saber cuándo).

• Casa Wabi en Puerto Escondido y sus bitácoras en exhibición.

• Las exhibiciones de residentes en Naranjo 141.

Hace unas semanas platicamos con Alberto Bremermann y Luis González, abogados especialistas en la cadena legal y comercial del arte, sobre el reciente caso de Fabián Cháirez en el Museo de San Carlos.

“La Venida del Señor” fue una exhibición del artista, inaugurada en febrero de este año en el Museo de San Carlos, y clausurada por el mismo ante una ola de demandas y protestas de grupos religiosos y conservadores. La muestra, compuesta por nueve lienzos sobre óleo re-inauguró en abril en otra sede, el Museo de la Ciudad de México.

Este es un caso interesante para analizar la censura. Bremermann nos explicó que los casos de censura tienen que ser cometidos por una autoridad pública. En el caso de Cháirez, quien cerró su muestra fue el Museo, catalogando como una cuestión privada y de políticas del propio Museo.

Más allá del aspecto legal, la situación pone en evidencia la fragilidad con la que algunas instituciones culturales operan frente a presiones externas. ¿Qué responsabilidad tiene un museo frente a su comunidad, pero también frente a la libertad artística? ¿Hasta qué punto las políticas internas reflejan —o evaden— una postura ética o política sobre el tipo de contenidos que se presentan?

Te recomendamos:

Descubrir la plática con Alberto y Luis. Y escuchar “Copiar con Cuidado” el podcast sobre casos de propiedad intelectual en las artes visuales, conducido por Alberto Bremermann.

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La Casa alberga a Conocer el mundo con la boca sin que te piquen las espinas, una exposición curada por Dea López y Beto Díaz, que nos invita a observar, analizar y valorizar los saberes y sabores ancestrales y los contrasta con su evolución contemporánea.

42 obras de 37 artistas manifiestan ese diálogo entre lo ancestral y lo contemporáneo, que apelan tanto al recuerdo como al asombro. Lo histórico se preserva en el anhelado postre. Rubén Ojeda Guzmán modela la osamenta de Lucy, la Australopithecus afarensis en masa de churros. Gabriel Lengeling nos remonta a nuestra infancia recorriendo los pasillos de la comida preparada del supermercado con su calendario azteca hecho de gelatina de mosaico.

Un Estudio para Papilla Estelar de Remedios Varo nos sorprende entre obras de Ana Mercedes Hoyos y Francis Alÿs. Y durante el recorrido, pienso en nutrir, en el conocimiento culinario transgeneracional que se preserva y se adapta al tiempo presente.

En este ecosistema visual y gustativo, lo comestible se convierte en símbolo, en archivo vivo, en vehículo de memoria. La exposición se desenvuelve como un banquete de afectos y tensiones: lo que comemos revela no solo lo que somos, sino también lo que hemos resistido.

Conocer el mundo con la boca sin que te piquen las espinas es un llamado a prestar atención a los saberes que nos atraviesan y nos sostienen. A comer con conciencia, a nombrar con cuidado, a saborear sin miedo. Porque en cada bocado —de historia, de identidad, de deseo— hay una forma posible de imaginar el futuro.

Te recomendamos visitarla hasta el 14 de septiembre, y escuchar el episodio del podcast donde Dea López, curadora de la exhibición, nos cuenta más sobre el conocimiento colectivo y el vínculo entre arte y tradiciones culinarias.

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En las últimas semanas platicamos con Laura Guevara, Jefa del Departamento de Restauración y Conservación de la colección de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público y experta en pintura de caballete. Laura hizo hincapié en la importancia de conservar adecuadamente nuestras obras de arte para asegurarles una vida larga, la humedad es uno de los factores que aumentan la probabilidad de aparición de hongos, craqueladuras y otras afectaciones comunes. Mantenerlas en temperaturas moderadas, lejos de pisos, ventanas y en cualquier caso no intentar un remedio casero para arreglar algún desperfecto, fueron las principales recomendaciones que nos dio.

Es igualmente importante observar las obras cuya vida se desenvuelve al aire libre. Si bien la idea con ellas es que sus acabados cambien con la exposición a los elementos -el sol, la lluvia, la salinidad en las costas- mantenerlas cuidadas asegura su integridad. El impacto de la naturaleza en las instalaciones y esculturas expuestas es un fenómeno intrigante de seguir, ver aparecer las pátinas, cambiar los colores y reconocer la nueva identidad de las piezas como hogar de pequeños insectos, musgos y plantas que las integran en su ecosistema.

Al observar estas transformaciones, surge una reflexión inevitable: ¿hasta dónde debe intervenir la mano humana y en qué momento hay que permitir que la naturaleza dialogue con la obra? ¿Cómo encontrar el equilibrio entre preservar la intención original del artista y aceptar que el tiempo y el entorno son parte del proceso creativo?

Como nos compartió Laura Guevara en el podcast, la conservación no siempre implica detener el cambio, sino acompañarlo con respeto y conocimiento.

¿Quién va a procurar esos fondos? pero también hay que pensar en cómo mantenerlos en el largo plazo. En la charla con Rifka surgió una idea potente: la procuración de fondos no se trata sólo de dinero, sino de vínculos. De escuchar, proponer, volver a llamar, invitar, agradecer. De sembrar relaciones basadas en la confianza y la empatía. A veces, la conversación más transformadora no ocurre en una sala de juntas, sino en un café compartido, en una llamada inesperada o en un correo que se responde con cariño.

El aprendizaje del otro también es una donación importante, la experiencia y habilidades de un aliado pueden marcar un parteaguas en la operación de la institución, escuchar sus ideas y hacerlos parte de lo que pasa dentro son elementos que hacen la diferencia.

En un entorno como el cultural, donde los recursos son escasos pero la pasión abunda, las relaciones humanas son capital simbólico y real. Un puente sostenido por afectos, profesionalismo y visión común.

Para ahondar en el tema, te recomendamos:

• El libro “Generation Impact: How Next Gen Donors Are Revolutionizing Giving” de Sharna Goldeseker y Michael Moody

• Escuchar el episodio con Rifka para enterarte de la anécdota de la remodelación del vestíbulo del MUNAL a través de aliados.

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Wichis Montiel nos lega el sentimiento de inmensidad que Don Goyo impone en su corazón poblano con su nueva serie “Pensamientos Volcánicos”. Los artistas contemporáneos crean para el archivo futuro no solo un registro visual tangible sino uno emocional del zeitgeist contemporáneo. Por su parte, Paula Cortazar trasciende la segunda dimensión. Cada una de sus esculturas nos transporta a La Huasteca neoleonesa a través de sus mármoles y piedras de río. Su destreza técnica transmuta su dureza en suaves curvas que hacen eco de la idea del paulatino cambio que tiene el paso del agua en la tierra.

Finalmente, esta semana en el podcast, platicamos con Joao Rodríguez sobre su práctica artística, en la que el Pacífico mexicano trasciende su lugar físico a un espacio mental de flujo, ritmo y movimiento. Sus linograbados son testigo de las prácticas amigables con el medio ambiente, alternativas a los ácidos y metales.

Al escuchar sus voces y mirar sus obras, entendemos que el entorno no es solo un espacio físico, sino un impulso creativo, una emoción compartida. Te invitamos a descubrir cómo el lugar que habitas también te forma y te transforma.

Te recomendamos:

• La charla con Wichis Montiel y con Paula Cortazar

• Explorar la ruta de los volcanes del Dr. Atl

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Como en cualquier mercado, compuesto por la oferta y la demanda, para toda pieza imaginable hay un potencial coleccionista. Hasta años recientes pensábamos en el coleccionista de arte como el magnate del petróleo que decidió abrir sus bóvedas llenas de pinturas y esculturas al público en general en un acto de filantropía, cof cof, J.P. Getty. Sin embargo, hoy tenemos una concepción más amplia del coleccionar, y una aceptación colectiva general de que se puede empezar por pocas piezas, lo importante es asumirse como tal y tener una intención clara sobre el rumbo que queremos que tome la colección. Cada vez más, proyectos con el objetivo de fomentar el coleccionismo, como Contessina, la plataforma que conecta a coleccionistas con sus colecciones, han atendido el nicho del mercado que no tenía tanta representación.

Esta semana en el Podcast, platicamos con Evelyn Sosa, Coordinadora Comercial de Consigna y nos compartió sus insights sobre el éxito comercial de un proyecto artístico. Una de las realizaciones con las que más conectamos es que el mercado del arte se basa en una gran parte en la relación que construye una galería, o un dealer, con su cliente. En la delgada línea entre vender un producto y ganar su confianza.

Conocer a tu cliente, saber sus gustos, orientarlo hacia lo que podría sumar positivamente a su colección es una tarea delicada y clave en el proceso de compra. Como potencial comprador, no temas preguntar todo sobre aquella obra con la que sentiste una conexión, ese puede ser el inicio de tu camino como coleccionista.

Coleccionar es, en esencia, una forma de establecer un diálogo con el arte y con uno mismo. No se trata de cuántas obras tienes, sino del vínculo que cultivas con ellas.

Te recomendamos leer:

• “¿Inversión o Pasión? Una guía para navegar el mercado del arte”, de María Sancho-Arroyo

• “How to Collect Art?”, de Magnus Resch

Y escuchar dos episodios del Podcast sobre coleccionismo:

• Nuestra plática con Antonia García-López, fundadora de Contessina

• Nuestra plática con Yuri Ortiz y Emmanuel Diaz, coleccionistas jóvenes miembros del PeCa ODAC

Decidimos dar un salto de Spotify a tu inbox. Te proponemos acompañar tu café ¿o té? matutino con una dosis breve de insights, noticias y recomendaciones de nuestros especialistas invitados a platicar del sector.

Esta semana Ren platicó en el podcast sobre la Semana del Diseño. El evento más grande de esta industria que cada año desde 1961 sucede en Milán.

El eje central son el Salon del Mobile y el Fuorisalone.

El Salon del Mobile empezó siendo en la década de los 60, un lugar donde los diseñadores llevaban sus muebles y podían ver tendencias. Se volvió un evento global, y es el alma comercial de la semana del diseño. En los años 80 las marcas de mobiliario y de muebles empiezan a abrir sus showrooms alrededor de la ciudad, entramando una relación con la ciudad.

En 1991 se lanza la guía oficial para seguir el evento. En los años 2000 se consagra y surge el diálogo efímero con lo urbano, rompiendo el estereotipo del cubo blanco. El Fuorisalone es el corazón de esto. Su tema este año fue “Mundi connessi” (mundos conectados) y parte de la idea del diseño como herramienta participativa y generativa de colaboración.

En esta edición, que versó sobre crear objetos significativos, destacamos:

• En el marco de Euroluce, la bienal de iluminación, a Robert Wilson, renombrado artista que fusiona sonido y el teatro en una experiencia inmersiva. La obra, titulada “Mother”, versa sobre la interpretación del artista de la Pietà Rondanini de Miguel Ángel.

• La Alcova: se enfoca en diseño radical dentro de espacios históricos. Este año se ubicó dentro de la Ex-fábrica SNIA y las casas de cristal de Pasino.

• “Speak, Memory” en Casa Cabanna. Experimentar la nostalgia a través de cerámica.

• La instalación de Google: “Making the invisible, visible”

• Pivot d'Hermès. Mesas auxiliar diseñada por Tomás Alonso

Y para quienes están en CDMX, les recomendamos:

• Tomarse un café en Casa Simera

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